攝影構圖技巧論文

　　攝影構圖技巧論文【1】

　　摘要：攝影與繪畫在構圖上是相通的，點線面的組合搭配，視覺中心，黃金分割都是攝影與繪畫的構圖要素。

　　關鍵詞：構圖策略方法作用

　　一、什么是攝影構圖

　　所謂“攝影構圖”是人們根據成功攝影作品歸納總結出來的一套實踐經驗進而上升而成的“理論”。

　　攝影藝術的創作，在對著豐富多彩的現實生活，誰都想拍攝出生動感人的藝術作品。

　　當你很熟悉了解自己的照相機和各種感光材料的性能并掌握了一定的用光，布光知識和技法，當你把鏡頭對著人物和具有典型意義的事件，對著雄偉的建設場景和壯麗的山河風光，你考慮的一定是如何構成一個理想的畫面，創作出完美的藝術形象來。

　　也許就在這個決定作品命運的一瞬間，你深深地感到構圖是那么重要，那么關鍵。

　　在很大的程度上，構圖決定著構思的實現，決定著作品的成敗。

　　二、攝影構圖的內涵

　　構圖有它自身的規律和方法，攝影者根據他們內在的敏感來進行構圖，造型藝術是視覺的藝術，靠眼睛就能分辨出構圖的好壞。

　　構圖在其品質上的特征，首先應當使觀賞者不用去看作品標題，也無需介紹和注解，憑視覺直覺立刻可感受到作者的意圖。

　　作者不能靠文字達意，用標題說話，靠人、物、景和整個畫面的結構去表現作者所要表達的感情和對生活的熾熱的愛。

　　作品的主題思想，正是通過作者塑造的栩栩如生的具有鮮明個性的典型形象體現出來的，只有這樣的作品，才能使觀眾產生如聞其聲，如見其人，如臨其境的真切感。

　　構圖是確定并組織元素以產生和諧照片的過程。

　　照片中的每個對象就是構圖中的元素。

　　學習構圖就像是學習一門語言，一旦你學會一門語言，它就不再是你需要不停考試的東西，因為說話已經是下意識的行為，說什么才是你關注的重點。

　　我想攝影師、攝影愛好者、攝影發燒友，要努力的目標應該是流暢地運用構圖這門語言，去表達自己想表達的。

　　跟其他藝術不同的是，攝影在本質上是挑選的藝術。

　　必須從現實世界中挑選一處予以框定，并且在框定的區域中對主體材料進行組織和布局。

　　而挑選其實就是有意識地對畫面進行編輯而不是被動地把一切都囊括其中。

　　考慮可以去除的主體，以簡化和增強信息。

　　當你的框架中所有的元素都起作用而并非浪費時，你就成功了。

　　三、如何把握攝影構圖的策略

　　在尊重客觀場景的前提下主動把握畫面結構，即畫面內容所形成的輪廓結構。

　　這種輪廓結構從整體上看，就是畫面形式，它在信息傳遞方面所發揮的作用是刺激人的感官，誘導讀者閱讀畫面內容。

　　生動的畫面結構才有這種視覺傳感效力，平淡的畫面結構不具備這種力量，則作者的作品就會在讀者的第一審視中備擊敗。

　　終圍繞事物的形象特征尋求畫面結構形象特征是作為事物特點的顯著標志，它不僅具備視覺個性，也包含著事務的本質。

　　在對畫面結構尋求過程中，有時結構具備刺激性，卻不能充分體現事物的特征。

　　從而要求攝影師有敏銳的洞察力，在保證畫面語言鮮明的前提下將事物的形象特征鎖定于整個畫面結構之中。

　　在尋求“不經意”的現場狀態下主動把握畫面秩序世界經典新聞攝影作品現場氣氛濃郁，質樸無華，沒有一點人為痕跡。

　　其實，每一幅作品都是作者精心把握的結果。

　　那么，如果做到“主動把握”與“無人與痕跡”的統一。

　　方法是在尋求“不經意”的現場狀態下主動把握畫面的秩序。

　　四、淺析構圖的幾種方法

　　構圖是攝影愛好者眼力的體現，要從心靈的眼睛做起。

　　一幅攝影作品的.畫面主要有五個部分組成，主體、陪體、背景、前景和空白。

　　構圖就是把這五個要素在一定的空間有機組成藝術的整體，給人以美的吸引和美的享受。

　　構圖的基本方式教科書上講“構圖三分法”、“九宮格”。

　　九宮格的四個相交點又稱為黃金分割點。

　　1。水平線構圖：水平線構圖主要把握地平線的平直，把攝影的主體放在地平線的上部或下部。

　　2。垂直線構圖：直線構圖主要是利用三分法，把主體放在畫面的左中右，使畫面均衡，主體突出。

　　3。斜線構圖：斜線的動態特性使得它成為了表現激烈運動和事態的不可缺的部分。

　　它被廣泛的應用在需要強烈視覺引導的畫面中。

　　4。對角線構圖：對角線式構圖主要是利用主體的形態，使其處于畫面的左右兩側，增添畫面的平衡感。

　　5。放射線構圖：放射線構圖能夠表現一種開放性、躍動感以及高漲的氣氛。

　　此構圖在對光線或者樹木等物體的表現過程中比較常見。

　　這種構圖方式比較抽象，需要攝影者仔細觀察才能夠實現此構圖。

　　一般來說，放射線構圖的線性方向主要是由某個集中點向上下左右伸展開來，它可以表現出舒展的開放性和一定的力量感。

　　五、構圖的作用

　　構圖還需講究藝術技巧和表現手段，在我國傳統藝術里叫“意匠”。

　　直接關系到一幅作品意境的高低。

　　構圖屬于立形的重要一環，但必須建立在立意的基礎上。

　　一幅作品的構圖，體現著作者表現主題的意圖與具體方法，因此，它是作者藝術水平的具體反映。

　　概括地說，所謂構圖，也就是藝術家利用視覺要素在畫面是按著空間把它們組織起來的構成，是在形式美方面訴諸于視覺的點、線、形態、用光、明暗、色彩的配合。

　　構圖是表現作品內容的重要因素，則作品中全部攝影視覺藝術語言的組織方式，它使內容所構成的一定內部結構得到恰當的表現，只有內部結構和外部結構得到和諧統一，才能產生完美的構圖。

　　參考文獻：

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　　[2]姝娜。構圖在繪畫中的地位[J]。大同職業技術學院學報，2005年04期

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　　[5]中國人民大學婁文振。攝影文學的畫面與文字及其相互關系[N]。文藝報，2001年

　　攝影的構圖技巧【2】

　　摘要：素描作為造型藝術的基礎，有其獨特的文化內涵和審美價值，在各大藝術院校的教學中，素描起著舉足輕重的作用。

　　然而，隨著時代的發展，在傳統的素描表現方法和觀念不足以滿足大眾的審美需求時，我們應該思考探索尋找新的表現技法，引導學生大膽探索、開拓創新，賦予傳統老套的素描教學體系新的活力。

　　關鍵詞：高校素描教學現狀思考

　　在西方，素描作為古典藝術創作過程中的起步階段即作品草圖的形式出現已經有幾百年的輝煌歷史，自身有著獨特的文化內涵和審美價值。

　　但在中國，作為一種舶來文化，其發展還不足百年，并且在這短短的幾十年的發展過程中，幾乎所有的藝術院校都是在前蘇聯契斯卡柯夫體系素描的單一的客觀寫實教學模式的影響下展開的，這種契斯恰柯夫素描教學體系其實就是歐洲古典主義的俄羅斯化。

　　其在新中國剛剛成立之后的那段時間，它對中國的藝術教育事業確實起到了推波助瀾的作用。

　　但是自20世紀80年代之后，由于受到西方現當代藝術思潮的猛烈沖擊，這種傳統的一元化藝術模式同時也受到了前所未有的巨大挑戰。

　　原先的傳統的素描教學模式已不適應時代的發展，藝術不同于科學，科學有其統一的標準，可以推廣和重復，但藝術就不行，藝術的價值貴在創新。

　　如今很多藝術院校及社會上的有識之士已經開始對于高校素描教學課程進行再思考，力求改變不適應時代發展之需的傳統的教學模式，并對其做了部分改革和調整，使素描的風格與表現形式逐步走向多元化。

　　例如：創辦飛地藝術坊的王華祥，仿效文藝復興之前的那種師傅帶徒弟的作坊模式，大膽引導鼓勵學生的創造性思維――將錯就錯，與中國的學院派教學模式拉開了距離，取得了一定的效果。

　　但就中國目前的素描教學的普遍性上來看，問題依然存在。

　　比如，在高校的素描基礎教學課程上，教師仍然把“準確再現對象”作為繪畫的標準；把“三大面五調子”作為表現對象的主要手段；在繪畫的工具和材料的選擇上普遍還是鉛筆、碳筆、白紙等；甚至對于作畫對象靜物或模特的擺放依然是被動的“老師擺模特，學生照著畫”。

　　這種一成不變的老套的素描模式已激不起學生的表現欲望，在課堂上很多學生提不起興趣，作畫的過程只是為了交作業，完全喪失了作畫的主動性和熱情。

　　素描作為一門基礎課程，對后期的繪畫創作起著舉足輕重的鋪墊作用，在高校的學習階段是貫穿始終的，若得不到教師的正確引導，幾年的高校學習下來，學生的專業素養和認識水平就無法得到應有的提高。

　　隨著時代的發展，當傳統的素描表現方法和觀念不足以滿足大眾的審美需求時，我們就應該思考探索尋找新的'表現技法，借用其他新型媒介來改變這一現狀。

　　曾經素描被普遍視為造型藝術的基礎，作為一種“單色畫”的概念而存在，對于它的定義主要是相對于“彩描”而言。

　　但在今天，對于各種畫種的界定已經模糊并顯得不再那么重要，大眾對不同種類作品的關注更多的是其作者是否具有創新精神。

　　縱觀西方藝術發展史，不難發現“素描”最初的存在價值是作為草圖出現的，我們可以從大量的大師留下的手稿中得到印證，如文藝復興時期的達芬奇畫的《人體解剖圖》等主要是為其醫學研究所作；米開朗基羅所畫的大量的肌肉結構作品，主要是為其雕塑作品所作的前期研究。

　　當然還有很多，這里不再逐一列舉。

　　所以，后人把這種草稿草圖作為基本功來訓練。

　　任何一種事物都要經歷其產生、發展、消亡的過程，但素描的消亡不是簡單的物質概念的消亡，而是內涵的再次升華。

　　如今素描已上升為一種具有獨立審美價值的新的藝術形式。

　　在藝術大眾化、多元化的當代，對專業細化的程度要求越來越高，這就要求我們的藝術家或藝術教育者對不同的畫種尋找其獨特的訓練方式，當然素描也不例外，只有擺脫傳統的認知模式的束縛并努力拓寬其自身藝術的表現力，這樣作為基礎教學的素描才會具有更強的生命力和感染力。

　　以前由于條件的限制，市場上除了鉛筆、碳筆、白紙之外，素描作畫沒有過多的材料可供選擇，但在信息化、網絡化、數字化的當今時代，各種繪畫工具琳瑯滿目，便捷的交通和運輸，足夠為我們拓展、實驗、革新素描表現語言提供各種可能性。

　　所以，隨著時代的發展，我們的傳統的教學模式和評判標準應該得到改變，至少在繪畫工具上教師應該多鼓勵學生嘗試，而不是一成不變地沿襲固有的繪畫習慣。

　　現在一些美術院校開始開設實驗素描課程，旨在拓展學生的思維，這是一個好的苗頭。

　　但大部分的高校還是循規蹈矩，教學方法和手段上沒有任何創新，讓人甚為擔憂。

　　表現工具的拓寬在某種程度上要求我們可以不再用某種固定的模式作為素描訓練的標準和評判的依據，素描教學的理念理應得到調整和拓寬。

　　不同以往，如今素描作為一門獨立的畫種，我們應當讓學生體會到其獨具一格的藝術魅力，體會到其中的作畫樂趣和奧妙，而不是只作為造型藝術的基礎來訓練。

　　當然，造型的最直接的目的也是為了傳達個人情感及對事物的認知度，藝術作品是作者思想情感的集結物，而非直接的自然產物，它是基于人的腦力勞動的成果，具有主觀性。

　　我們要培養學生在作畫時把畫面上的每個點線面都當做是個人的獨特語匯，讓手中的工具、材料為其自由地工作，從而創造出自己獨具特色的藝術語言。

　　充分發揮不同材質的性能并對其帶來的特殊視覺效果給予充分的表達，特別是新型材料工具的加入，不僅可以豐富素描的繪畫語言、拓展素描的藝術表現力，同時還可以提高學生的作畫興趣。

　　傳統的素描教學體系已不適應當今藝術時代的發展需要，我們的藝術教育者和藝術工作者必須探索實驗新的教學方法，本著實驗的原則，多鼓勵學生開拓對新的材料和媒介的嘗試和運用，在實驗中不斷進行比較選擇，從中找出更適合自己主觀情感的表達方式，以便為后期的藝術創作做鋪墊。

　　總之，我們不能一味守舊，而要勇于開拓創新，把培養學生的創新思維和學習興趣放在首位，利用一切能夠利用的形式和手段，來引導學生，使其建立起自我的審美體系與價值評判標準。

　　在對學生的教學思想指導上，要把突出表現素描的繪畫情感性和創造性作為重點來加以培養和訓練。

　　在素描教學中要培養學生面對描繪對象時不要被動描摹，而是要積極主動處理和表現，要想盡一切辦法調動學生的學習興趣，明確教學目標，培養學生具有獨創性的頭腦。

　　在每次作畫前，要把本次作業的目的和要求給學生講清楚，調動學生的作畫情緒，而不是讓學生不假思索地看見什么畫什么，為交作業而畫，甚至無病呻吟。

　　要讓學生畫前先觀察，洞察所繪對象的內心世界，把自己和描繪對象融為一體，讓畫面以情動人，而不是一味地展示作畫技法。

　　當然要想達到這一教學目的，光靠理論的講解還是不夠的，教師最好以直觀性教學方法為主，以理論為輔。

　　結合自己平時的實踐經驗，現場給學生展示或指導，這樣才能讓學生在最短的時間充分領會所傳授的知識。

　　但教師作為藝術的個體，可能會在某一時期只在某一個領域或藝術風格里去完善和發展，一旦遇到學生的風格或表現形式有別于自己時，老師就應給予支持和鼓勵，而不是否定或強制。

　　把教師的“教”和學生的“學”放在最大的自由空間里，充分發揮其互動的積極作用。

　　在學生的作業要求上，要改變傳統的素描評判標準，最大限度地尊重和鼓勵學生畫面中流漏出來的鮮明的個體語言或風格，不能以畫得準、技法表現嫻熟為唯一的評價標準，好的藝術作品應該是作者情感的體現和升華，應該是具有一定的藝術創造力和感染力。

　　縱觀東西方的藝術史，我們不難發現，任何藝術體系都不是一成不變的，尤其是西方現代繪畫史，各種繪畫體系和風格流派的演變，讓我們學會了以一顆寬容的心態去迎接各種新的藝術形式的到來。

　　所以，作為舶來文化的素描要想在世界這片土壤取得立足之地，必須革新。

　　各大藝術高校應該根據自己的實際情況制定適合自己特色的教學體系，素描當然也不例外，要徹底改變一統天下的傳統素描教學體系。

　　《石濤話語錄》中有這樣一句話：“在墨海中立定精神，筆鋒下決出生活，尺幅上換去筆骨，混沌里放出光明。縱使筆不筆，墨不墨，畫不畫，自有我在。”石濤針砭時弊，提出“我的精神”的論斷，即強調藝術家必須重視自己的創作個性的培養。

　　同樣，我們在高校的素描基礎課上要打破傳統的灌輸式教學模式，要積極提倡營造一種寬松的創造性學習的氛圍，肯定學生個性的張揚和創新意識，并鼓勵引導學生大膽探索、開拓創新，賦予傳統老套的素描教學體系新的活力。

　　參考文獻：

　　[1]馮健親著。素描。江蘇美術出版社，1987。

　　[2]韓大為著。創作素描。遼寧美術出版社，2002。

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